中国新没骨派国画院  

作为非美术理论专业的批评人，我对中国画的创新问题一直很感兴趣。另外，我对你的老师范曾的绘画也一直有看法，早就想通过本刊予以表达。今天再次与崔自默先生商榷中国画的创新问题，以期得到一些答案，或者坚定我的意愿。如果有不妥之处，还望同行见谅。

我 认为，范曾的人物画早已形成了程式化制的模式，虽然他不同于徐悲鸿与蒋兆和的写实（完美的中西结合）来强调西为中用，但自从范曾继承了任伯年的人物画的 “精髓”之后就少有变化，无非是些老头、童子、高士，他的仕女画尤为糟糕；书法则永远是一体不变，也少有几幅花鸟鱼虫。特别是近年来，作品更是形制单一， 匠气十足。我知道，范曾的商业炒作是很成功的，但是学而不专，更有些东西经不起学术的推敲。谈到他的绘画，我觉得范曾没有白伯骅的仕女画之美感、生动，线条饱满、清丽；也没有马振声绘画的老辣深邃；更没有冯远之远、中、近以及现代人物画的多样面貌。他也比不上何家英仕女画形象的呼之欲出；也不及黄土画派刘 文西等人物形象的纯朴感人……所以，我想说范曾先生的作品已经越来越商业化、世俗化了。

齐 白石大师不仅花鸟鱼虫生动传神，山水画如果用工再多一些，也一定会“天翻地覆”，名垂青史，这是“相由心生”是缘故。而范曾未跳出程式化是藩篱。所以，尽管他很好地继承了任伯年、叶浅予、蒋兆和等前辈的技法，开创了写意与写实结合是先河，但几十年下来墨守成规、抱残守缺、不思进取，这是商业与学术结合出现 的失衡导致的结果吗？崔先生可以从这里开始谈谈吧。

先 说“程式化”问题。其实，不光是中国画存在这个问题，其他的艺术也是一样的。没有“程式化”，就没有艺术风格，就没有“符号”。比如京剧，一个人的唱腔、动作，总会因为个性、习惯等等固定下来，形成风格。“固定”了，似乎就僵化了、不变了。这其实是一对矛盾：没有“程式化”的东西，没有不变的东西和符号， 就没有艺术风格；而另一方面，你只要不变化，维持住固有的风格，别人就会说你不变化、墨守成规。那么，怎样来协调这对矛盾呢？怎样在已有的风格和程式化的基础上，不断地创新、创作，同时相对保持自己的面目，让人认可，非常难。难能，才可贵；这需要大本事、大能力。

《大学》里说：“苟日新，日日新，又日新。” 这是常识，告诉我们需要不断地洗心革面。我们从小到大，我还是我，但是，确实在不断地变化着。真正的大师，应该不断地自我革新，敢于打破自我的格局，重新塑造自己。可是遗憾的是，很多大师都做不到，包括齐白石、傅抱石、李可染等等，当代的画家就更别说了。以往很多有成就的大师，其绘画面目应该有更多的创 新，可惜，他们都没有做到。

这种现象，也许是中国画的一大缺欠，或者说是我们传统文化认识的一大误区。文人画、笔墨，等等说法，过多的强调了，期望于那种过虚的所谓老辣、境界、神韵，就失去了更多的鲜活的元素，好比“知足长乐”的说法，阻碍了前进的动力。

站 在人类艺术史的高度上，站在世界美术史的高度上，中国很多所谓的艺术家其艺术含量很低，至于叫“大师”就更是荒唐了。简单的模仿、复制，是匠人要做的事情，是用劳动来混饭吃的做法。很多工笔画，就更没有意思了，只要有精力，就可以无限制地复制，没有意思。当然，市场有需求，是另外的问题，与艺术的本性很 有距离。